Entrevista a Alejandro Baccarat
Actualizado: 19 jun 2019
Alejandro Baccarat nació en Buenos Aires y desde 1990 trabaja como fotógrafo. Su inicio en la profesión fue en Editorial Perfil donde trabajó para las revistas Caras y Noticias. (1990- 1998). Estuvo a cargo del departamento de fotografía de Canal 9 (1998-2002), realizando producciones para las gráficas de vía pública y prensa, trabajó para las revistas Viajes y Rumbos del diario La Nación, Newsweek, Lonely Planet y tuvo la corresponsalía de Folha De S.Paulo.
En la actualidad lleva adelante su estudio de fotografía orientado hacia la publicidad, trabaja para las revistas Forbes Argentina, escribe notas sobre técnicas de iluminación en la revista Contrastes y desde hace más de diez años se desempeña como docente dictando cursos y seminarios de fotografía.
F.N.: Querido Alejandro. Gracias por estar en el grupo "Nikonistas" y por acceder a esta entrevista!
Me gustaría arrancar preguntándote sobre tus inicios. ¿Cuándo te acercaste a la fotografía? ¿Quiénes fueron tus maestros? ¿Cuál fue el motor de esa decisión?
A.B.: Comencé hace 30 años junto a un grupo de amigos que ya estaban trabajando en la profesión. Teníamos 18 años y compartíamos mucho tiempo juntos. Así, cada vez que ellos armaban el laboratorio (un minúsculo cuartito detrás de unas cocheras de un edificio) yo cebaba mate, ponía música y agitaba cubetas.
Nunca me caractericé por tener buena vista así que las cámaras me parecían complicadas, había que enfocar y eso era difícil para mí, casi una tarea imposible. Pero un día mientras copiábamos una foto sentí por primera vez que algo pasaba con esa imagen, porque en definitiva la imagen es el producto donde se materializa la imaginación, y esa imagen para mí mostraba algo más.
Lo que siguió fue una compulsión por enfocar la vida de los demás. Meter un rollo de diapo, medición puntual a la cara, abrir un punto y mucho contraluz. Me habían dicho que las fotos lindas eran a contraluz y tenía un papelito en el bolsillo que decía: A pleno sol, 250 f8 a ISO 100.
Al tiempo me di cuenta que ya no necesitaba el papelito y entonces me colgué el bolsito al hombro y dije “soy fotógrafo”.
En esos principios un gran compañero oficiaba de maestro: Marcos Furer, (ya en aquel entonces gran fotógrafo) junto a mis demás compañeros de editorial perfil, excelentes fotógrafos también, que eran los otros “catedráticos” consultados por mi inexperto entusiasmo de aprendiz.
F.N.: En la juntada Nikonista nos impresionaste con el uso tan peculiar de los softbox orientados hacia la cámara. ¿ Te molestaría publicar un back de una toma y contarnos si es un esquema ya empleado o fue un desarrollo tuyo?
A.B.: Se trata de inventar y reinventar con lo que ya tenemos, y en el camino tal vez encontremos alguna fórmula sencilla mezclando ingredientes propios y ajenos. Yo trabajo sobre una técnica, que desde que surgió la fotografía como disciplina acciona sobre lo mismo: ejercer el control del contraste. Cada tanto aparece algún gadget nuevo, cambia alguna herramienta, pero no la esencia.
Lo que compartimos en la juntada Nikonista es la metodología de mi trabajo. Aplicamos una serie de técnicas ya conocidas, que ponemos en juego y tamizamos para llegar a un resultado diferente.
En la jornada trabajamos sobre la caída de la luz. El softbox está diseñado para distribuir la luz de manera uniforme pero no necesariamente con la misma intensidad en todas las direcciones. Es diferente el efecto que se logra orientando el softbox directamente hacia el sujeto que si lo ponemos de manera tal que solo incida la tenue luz que se dispersa por el borde.
Además de afectar la calidad de la luz logrando una imagen de mayor contraste, genera un área de sombra que viene desde la misma dirección. Esto provoca en el espectador común una ruptura, porque lo habitual en una iluminación lateral es ver la luz de un lado y la sombra del otro.
En la foto: Federico Paleo
En la foto: Darío Sztajnszrajber
F.N.: ¿Cuáles son los aspectos de la iluminación que es necesario dominar en la fotografía?
En fotografía la iluminación tiene 5 componentes fundamentales: Sombras, sombras con detalle, tono real, altas luces con detalle y reflejo especular.
El fotógrafo que construye su propia iluminación tiene que poder incidir sobre estos valores por separado, y además actuar sobre otros 2 factores, que son la transición que hay entre un valor y otro y la transparencia. Porque en definitiva lo que buscamos es destacar la textura.
A todos nos resulta fácil comprender que una sombra nítida, un negro pleno, actúa como una capa negativa de ausencia de luz y no nos deja ver la textura del objeto, pero nos equivocamos cuando creemos que el reflejo especular es un punto brillante y cristalino. No, el reflejo especular es opaco, suele ser de color blanco y no nos deja ver la textura del objeto.
El fotógrafo que domina la técnica de la iluminación puede extender el área de transición entre el reflejo especular y el valor subsiguiente, que son las altas luces con detalle, y transformarlo en un reflejo difuso que irá desde ese pequeño punto concentrado blanco opaco hasta las altas luces brillantes y con transparencia que permiten apreciar la textura. Esto, explicado así de conciso lo suelo desarrollar en 4 meses de taller, y lo que parece complejo de leer, se va incorporando en las prácticas.
F.N.: Otro tema que pude apreciar en la juntada Nikonista, fue la dirección del modelo. Realmente entre la iluminación y tus indicaciones, nos "transformaste en héroes" jaja. Es fruto de tus años de experiencia o seguiste estudios específicos?
A.B.: Bueno, en la juntada tuve la precaución de elegir bien a los retratados, jeje. Como comentaba antes, compartí staff con fotógrafos muy sólidos y cada uno dejó su huella. Mi escuela fue la práctica y mi manera de enseñar es tal cual como la aprendí, partiendo de la necesidad de resolver.
En principio me concentro en iluminar los puntos de interés, ojos, nariz, boca. Ilumino el centro de la cara y trato de darle un marco de sombras hacia el contorno del rostro para darle volumen y protagonismo a la expresión.
Si el sujeto es calvo será sin contraluz, si es un rostro redondo la iluminación será lateral. También cuido los detalles, presto atención a que el reflejo especular quede dentro del iris de los ojos y que no se produzca en la córnea porque esto los oscurece o les da una forma ovalada.
F.N.: Contanos sobre algún caso muy complicado de resolver en cuanto a colaboración del sujeto. Alguien que te hizo transpirar realmente.
A.B.: Me pasa todos los días, mi tarea es resolver esos problemas. Hay personas que no colaboran ya sea porque están muy ocupadas, son tímidas o no tienen tiempo ni ganas. Otras veces es un poco más sencillo. En ambos casos, yo hago mi trabajo. Lo peor que puede pasar es poner flash frontal en cámara, una única toma y… buenas noches….
F.N.: Veo que tomás muchas fotos a altos directivos / CEOs... No deben ser modelos fáciles tampoco. Contamos cuáles son los elementos claves para una foto exitosa en esos casos.
Durante la entrevista, la exigencia es resolver la situación en pocos minutos. Por un lado es técnica pero por otro lado tiene que ver con el lenguaje. Cómo crear sentido a partir de encontrar relación entre elementos.
Podríamos relacionar el status propio de los CEOs con el mundo singular que se despliega en torno a ellos, como ser el hecho de que suelen tener sus oficinas en pisos muy altos, con grandes ventanales y vista abierta. Algo de eso se podría representar, guiándolos para que miren a cámara con el gesto y la intención característica de quien puede ver hasta muy lejos.
Son dos elementos que se relacionan entre sí y de esa forma encuentran un campo común o metáfora que se enlaza con los campos temáticos y habilita una 3ª realidad que será lo que finalmente resulte en esa fotografía.
F.N.: Tenés ganas de mostrar algún trabajo del que estés particularmente orgulloso?
A.B.: Tengo fotos mejores y peores, pero fue con la docencia que sentí esa especie de orgullo, de ver a tus discípulos que logran hacer algo que aprendieron con vos. Y no solo eso, muchos de ellos hoy están viviendo de la fotografía, transformaron ese saber que les transmití en oficio, y eso me hace sentir muy bien. Porque además del logro que significa, subyace el mensaje y el ejemplo de que se puede vivir de lo que uno hace.
F.N.: ¿Un trabajo que estaba por ser un desastre por algún imprevisto pero diste vuelta como un campeón?
A.B.: Me pasa todos los días, mi tarea es resolver imprevistos y desastres!
F.N.: ¿Podrías aconsejar un "starting kit" para quien se acerca a la fotografía strobist?"
A.B.: Depende el tipo de fotografía al que se aspire. Si la intención es desarrollar el hobbie de manera seria, los flashes manuales de marcas genéricas made in china son una muy buena opción. Ahora si a futuro se pretende hacer un trabajo profesional de ésos en los que uno corre con una o dos cámaras colgando del cuello, los flashes TTL son los indicados.
Una vez resuelto ese dilema, mi sugerencia es 2 flashes con sus radios, 2 trípodes y un softbox de no más de 50cm. Los paragüas son una alternativa más económica pero no ofrecen tantas posibilidades.
F.N.: ¿Tenés una focal favorita?
A.B.: Todo mi trabajo lo puedo hacer con un 35mm y un 85mm. Me gusta el 35mm porque es un gran angular que a máxima apertura desenfoca, y el 85… Bueno, en realidad me gusta más la lectura del 100mm, pero el 85mm es más práctico.
El 100mm te obliga a pararte un par de metros más lejos y si estás en la calle la gente empieza a pasar por el medio o simplemente tenés que alzar más la voz para comunicarte con el entrevistado.
F.N.: ¿Cuáles son tus referencias fotográficas?
A.B.: Soy clásico, crecí viendo las fotos de Greg Gorman y de Mary Ellen Mark, mirando más acá me interesa mucho el trabajo de Sandro Miller y me encanta el estilo cinematográfico de Julia Fullerton.
F.N.: Te he dicho muchas veces que quiero ir a tus cursos porque realmente me encanta lo que haces y tu pasión por enseñar. Contanos un poco cuándo serán tus próximos cursos y algo sobre el programa.
A.B.: Tengo dos propuestas, Strobist y Taller de iluminación
Strobist, es un curso de dos meses de 1 vez por semana, donde nos dedicamos a explorar las posibilidades de los flashes tipo speedlite. Comenzamos con un flash y terminamos haciendo algunas puestas que tienen su complejidad.
Para esto terminamos jugando con la utilización de elementos caseros y que solemos encontrar en nuestros hogares. Como esta toma con 5 speedlites, muchos cartoncitos y el típico tubo de papas fritas para improvisar un snoot.
El taller de iluminación tiene una duración de 4 meses, también con una clase por semana.
En este taller abordamos en profundidad las técnicas de la iluminación para retratos, moda, sociales y producto publicitario.
Cada clase es un tema diferente, que comienza con una breve introducción teórica para luego poder aplicar en la práctica con un problema a resolver entre todos. Esto nos permite proponer distintas alternativas para realizar la toma
y en este ir haciendo continuo fluye una clase en la que surgen ideas y propuestas realmente creativas.
Espero les haya gustado la entrevista.
Para ver más trabajos de Alejandro Baccarat, pueden visitar su página y redes a través de los siguientes links. www.alejandrobaccarat.com.ar
Facebook Alejandro Baccarat Estudio de Fotografía
SI desean compartir la nota, lo pueden hacer a través del icono de FB que encuentran abajo o a través de mi Facebook